Publié le : 07 octobre 20209 mins de lecture
Réalisé en 1941, peu après son arrivée en Amérique, New York City 3 représente un tournant dans l’art du Néerlandais Piet Mondrian, non seulement pour le sujet mais aussi pour les matériaux utilisés. Le tableau mesure 117 x 110 cm et a été réalisé à l’aide de peintures à l’huile, de feutres, de fusains et de bandes colorées et adhésives. Il est actuellement exposé au musée Thyssen-Bornemisza de Madrid. Le tableau est inachevé.
Œuvres murales s’est exilé New York
Piet Mondrian a quitté Paris en 1938 alors que le nazisme commençait sa montée. La capitale française a représenté la période la plus importante pour l’évolution artistique du peintre néerlandais qui, après une période de deux ans passée à Londres, a décidé de quitter définitivement l’Europe. La destination suivante était New York, où Mondrian espérait quitter la guerre qui détruisait une grande partie du vieux continent.
New York a accueilli de nombreux artistes dans les années 40 et 50 et certains d’entre eux ont changé de carrière grâce aux influences et aux stimuli culturels de la Grosse Pomme.
La musique, l’architecture, l’urbanisme et le chaos stimulant de la ville de New York ont partiellement modifié les thèmes artistiques de Mondrian, ce qui a conduit à une expression plus visuelle et moins symbolique. New York City 3 est la conséquence de cette heureuse relation avec la ville.
En 1983, l’œuvre a été exposée au Musée d’art moderne de New York avec d’autres œuvres du peintre néerlandais restées inachevées et cataloguées après sa mort. New York City 3 est le dernier titre choisi par le commissaire de l’exposition, Joop Joosten, qui après une recherche minutieuse et scrupuleuse parmi les papiers de Mondrian a opté pour ce titre qui fait partie d’une série d’œuvres consacrées à la ville américaine.
Le tableau a eu une très longue gestation, commencée en 1938 et a subi plusieurs modifications. Le choix du peintre d’utiliser des lignes adhésives colorées lui a permis de modifier plusieurs fois les positions géométriques de l’œuvre jusqu’à atteindre la composition idéalisée.
L’étape suivante consistait à remplacer les bandes adhésives par de la peinture à l’huile, mais en cela comme dans d’autres tableaux, Mondrian n’a pas eu le temps de le faire.
L’expérimentation abstraite de cet artiste original a permis le développement de nouvelles idées dans le domaine de l’abstractionnisme conceptuel, permettant une investigation nouvelle et complexe de l’utilisation des formes géométriques dans l’art.
En octobre 1911, Mondrian voit à Amsterdam des œuvres de Georges Braque, radicales dans leur cubisme analytique affirmé. Comme deux alpinistes encordés, Braque et Picasso s’étaient lancés vers les cimes de l’expérimentation pure. À la fin de l’année, Mondrian est à Paris. D’abord installé au 33, avenue du Maine, il déménage en mai 1912 dans un atelier au 26, rue du Départ, près de la gare Montparnasse (ce pâté de maisons fut détruit en 1936, en vue de l’agrandissement de la gare8). Pieter Cornelis Mondriaan décida de se faire dorénavant appeler Piet Mondrian. Tout de suite, il va prendre le chemin du cubisme et abandonne en conséquence les couleurs vives, réduisant sa palette à des gammes de gris et d’ocres9. Du cubisme, il dira : « Je sentis que seuls les cubistes avaient découvert le droit chemin et pendant longtemps je fus très influencé par eux. »
Et rapidement, il amplifie la tendance à l’abstraction qui travaille le cubisme analytique : les séries d’expérimentations construites avec les motifs du pot de gingembre et du pommier en fleurs atteignent la frontière où la figure s’efface dans une structure. Elle se réduit à des variations formelles sur quelques signes : courbes tendues des branches du pommier et leurs tensions dans l’espace, verticalement, mais rabattue vers l’horizontale avec le temps.
En 1965, le « style » Mondrian se fait aussi une place dans le monde de la mode grâce à Yves Saint-Laurent qui crée une collection de robes « Mondrian »… un modèle qui deviendra une pièce emblématique des années 1960 ! Depuis, les œuvres de Mondrian sont régulièrement utilisées dans de nombreux domaines, du design à la publicité.
Le Centre Pompidou nous évite ses grands paysages bien fades à nos yeux actuels, mais qui connurent alors un beau succès. On sentait cependant déjà que Mondrian cherchait autre chose. Il expérimentait, par exemple, la couleur pure, en supprimant la ligne de ses arbres. Ou il osait des couleurs violemment contrastées. Et puis, survint ce qui reste un grand mystère : comment, dans ses années 1905-1914, partout en Europe, la pensée bascula, la création bouillonna. Einstein publiait en 1905 sa théorie de la relativité, Freud découvrait l’inconscient et Max Planck.
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Études spirituelles et philosophiques
L’art de Mondrian était intimement lié à ses études spirituelles et philosophiques. En 1908, il est devenu intéressé par le mouvement théosophique lancé par Helena Petrovna Blavatsky à la fin du 19ᵉ siècle, et en 1909, il rejoint la branche néerlandaise de la Société Théosophique. Les travaux de Blavatsky et un mouvement spirituel parallèle, Rudolf Steiner de l’anthroposophie, affectée de manière significative le développement de son esthétique. Blavatsky croyait qu’il était possible d’atteindre une connaissance plus profonde de la nature que celle fournie par empiriques des moyens et une grande partie de l’œuvre de Mondrian pour le reste de sa vie a été inspiré par sa quête de connaissance spirituelle. En 1918, il écrit : « Je suis tout de la doctrine secrète », se référant à un livre écrit par Blavatsky. En 1921, dans une lettre à Steiner, Mondrian a fait valoir que son neoplasticism était « l’art du futur prévisible pour tous les vrais anthroposophes et théosophes ». Il est resté engagé théosophe dans les années suivantes, mais il croit aussi que son propre courant artistique, neoplasticism, finirait par faire partie d’une plus grande, la spiritualité œcuménique.
La collection du Centre Pompidou
Un extrait du catalogue Collection art moderne – La collection du Centre Pompidou, Musée national d’art moderne, sous la direction de Brigitte Leal, Paris, est exposé au Centre Pompidou, 2007
Le tableau (New York City I) a été peint à New York où Mondrian s’est exilé en 1940. Il appartient à une série de quatre peintures réalisées entre 1941 et 1942. Deux d’entre elles, New York City 1 (cat. rais. no B 300, Düsseldorf, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen) et New York City 2 (cat. rais. no B 302, San Francisco, SFMoMa), qui portent encore leurs bandes de papier coloré, sont considérées comme inachevées. Celle du Musée, la seule à être jugée achevée, et New York City 3 (cat. rais. no B 303, Madrid, Museo Thyssen-Bornemisza) sont peintes à l’huile. Le Musée possède aussi l’Étude pour Composition, 1938 (cat. rais. no B 364, AM 1984-271 D), analysée par Yve-Alain Bois comme « la première pensée de la série ». Le tableau, photographié en octobre 1941 par Emery Muscetra, dans l’atelier de la 52e rue, a été montré pour la première fois à New York dans l’exposition « Mondrian » de la Valentine Gallery, en 1942 (19 janvier-7 février). Il est caractéristique des dernières recherches de l’artiste, qui s’appuient sur une technique préparatoire de tressage de bandes colorées de papier, superposées sur la toile qui constitue un tramage tactile, en épaisseur, définissant « une profondeur plate » (Y.-A. Bois, « New York City I 1942, de Piet Mondrian », art. cité) et ordonne des compositions répétitives, symétriques mais vibrantes, et un espace all over, dense, homogène mais lumineux.
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L’œuvre
Lorsque Mondrian découvre New York en 1940, la ville l’enchante. Géométrique, lumineuse, colorée, elle fait directement écho à ses propres recherches. Sa découverte du jazz et du boogie-woogie, le marque également profondément. Mondrian s’en inspire à plusieurs reprises comme dans Broadway Boogie-Woogie ou New York City I, composition savamment rythmée réalisée en 1941-1942 et conservée aujourd’hui au centre Georges Pompidou.
Broadway Boogie-Woogie est le dernier tableau achevé de Piet Mondrian, peint à New York en 1942 et 1943. Il mesure 127 × 127 cm (50 × 50 pouces). Il est conservé au Museum of Modern Art à New York, grâce à un don de Maria Martins.
